Algunos me preguntáis a veces cómo se utilizan los colores acrílicos y cuales son los más imprescindibles que deberíamos comprar. Sin duda alguna esto es algo muy personal ya que cada artista tiene su gama de colores preferida, la que más le conviene o mejor resultado le da, según su propio estilo o manera de pintar, pero también es cierto que existe una gama de colores básica  para nuestra paleta que resulta imprescindible.

Si queréis adentraros más a fondo en el complejo mundo del color y su aprendizaje existen muchos libros donde podréis adquirir unos conocimientos más completos; yo os recomendaría «De lo espiritual del Arte» de  Kandinsky (Editorial Labor S.A), una muy personal y brillante teoría de los colores, «La primacía del color» De Ariel Jiménez (Monte Ávila Editores) o «El color» de Betty Edwards» (Editorial Urano), la autora de «Dibujar con el lado derecho del cerebro». En este libro, paso a paso, te va adentrando en el color mediante una serie de ejercicios de mezclas, a mi parecer algo tediosos pero eficaces, para adentrarse y comprender mejor el mundo del color y especialmente  sus mezclas y armonizaciones.

Como he dicho antes las teorias del color y sus enseñanzas son numerosísimas y voy a intentar aquí hacer un breve resumen de algunos conceptos elementales. Primeramente saber a groso modo que existen tres colores primarios básicos (que no pueden obtenerse por la mezcla de otros colores) que son el  amarillo, el rojo y el azul, digamos los «padres» de los demás colores ; después están los colores secundarios, el naranja, el violeta y el verde formados por la combinación de dos colores primarios; por último, los seis colores terciarios, el amarillo-naranja, rojo-naranja, rojo-violeta,  azul-violeta, azul-verde y amarillo-verde, que se consiguen combinando un color primario con uno secundario; de todo ello  derivan los 12 colores del círculo cromático.

También es importante saber a que se refiere cuando se habla de  colores complementarios, que en la rueda de color se encuentran en los extremos uno respecto a otro; así pues, los colores  complementarios son aquellos colores que se encuentran en una posición opuesta dentro del círculo cromático. Podríamos definirlo también como una pareja de colores en la cual en la composición de uno de ellos no interviene en ningún caso parte alguna del otro color. Por ejemplo, el complementario del amarillo es el violeta (el violeta está formado por el rojo y el azul, y por tanto no interviene el amarillo y viceversa), el del rojo es el verde, el del azul es el naranja, etc., Debido a ello los colores complementarios se potencian uno al lado del otro y sin embargo su mezcla  a partes iguales los anula totalmente creando colores sucios, marronosos o grises.  Al respecto Van Gogh escribía a su hermano Theó: «Así, cuando se mezclan a la vez el azul y el anaranjado en cantidades iguales, el anaranjado ya no es anaranjado así como el azul ya no es azul, la mezcla destruye los dos tonos, y resulta un gris absolutamente incoloro. Pero si se mezclan a la vez dos complementarios en proporciones desiguales, no se destruirán más que parcialmente y se tendrá un tono quebrado que será una variedad del gris. Siendo así, podrán nacer nuevos contrastes de la yuxtaposición de dos complementarios, de los cuales el uno sea puro y el otro quebrado. Siendo desigual la lucha, triunfa uno de los dos colores, y la intensidad del dominante no impide la armonía de los dos.» Una interesante reflexión del gran maestro a tener muy en cuenta.

Como podéis ver la mezcla de dos complementarios anula el color de ambos (arriba), sin embargo en proporciones desiguales nos da un color menos intenso del color dominante (abajo)

Conocer la ley del contraste  simultáneo es también muy importante para saber como se influyen los colores mutuamente. Podemos ver de diferente manera un color en función del color que tengamos rodeando a este color o  sea adyacente a él. Incluso colores que están en otro extremo de la superficie tienen influencia sobre los colores del otro extremo. De ahí la complejidad del color que sin embargo hace tan apasionante el arte de la pintura debido a que las variaciones, y por tanto los efectos que produce sobre el espectador, son infinitos; es en cierta manera comparable a las notas musicales que en función de como se coloquen en el pentagrama provocarán unas emociones diferentes (ver «Cómo mirar un cuadro«). Vamos  comprobar en un ejemplo  las variaciones que puede producir la yuxtaposición de los colores.

Colores simultáneos. El mismo recuadro azul tiene variaciones notables de luminosidad si está rodeado por colores diferentes. Incluso el tamaño del cuadrado azul (en medio) parece de mayor que los demás.

Otro de los elementales conocimientos que se deben tener en cuenta  son los tres atributos del color: Color, valor o intensidad puesto que para identificar cualquier color de la naturaleza ( del motivo a pintar) nos será indispensable conocer estos atributos.

1. Color: Identificar el color por su nombre en el círculo cromático, es decir, debemos elegir de este círculo cromático base cual es el color que más se aproxima al que nos interesa. Por ejemplo,  si tenemos delante un prado verde iluminado por el sol, seguramente el que más se aproximará en nuestra rueda de color será el amarillo-verde. Obviamente expongo esto de manera muy simple para comprender este concepto de identificación del color ya que no hay en la naturaleza un solo prado «verde» sino que este verde dependerá  de muchos factores.

Color amarillo-verde del círculo cromático.

1. Valor: Me refiero a su grado de claridad o de oscuridad. En nuestro ejemplo del prado verde tendremos que saber ver si el prado es más claro o más oscuro que el de nuestra rueda de color y en función de ello aclararemos el verde con  blanco u oscureceremos con negro. Obviamente vuelvo a exponer esta explicación de manera muy simple para entender el concepto de valor ya que, como he dicho más arriba, no hay un color «hierba» predeterminado, debido a que las variaciones de este prado son infinitas dependiendo de la luz que reciba y de muchos otros factores. Añadir además que el aclarado  no ha de hacerse necesariamente con blanco, también podría hacerse con amarillo limón (mucho mejor en el caso del color verde) pues como digo más abajo el exceso de blanco puede tener un efecto de «apastelado» que  resulte poco luminoso y excesivamente «harinoso». Lo mismo ocurre con el oscurecimiento, en la práctica el negro puede «ensuciarnos» el color base y ser más efectivo realizar el oscurecimiento con otro color, como podría ser el azul o el rojo, en función de la tonalidad del motivo.

El color verde-amarillo aclarado con blanco (arriba) y oscurecido con negro (abajo)

1. Intesidad:  Hace referencia al grado de viveza del color, podríamos decir también la saturación de este color. Si por ejemplo elegimos el verde de nuestra rueda de color, que sería el más vivo o saturado, existe una gama de tonos inferiores en el que dicho color se va amoriguando hasta que prácticamente no se distingue ningún color. Esto, en la práctica se realizaria con el color complementario del verde de nuestro prado, que sería el rojo. A medida que añadimos rojo el color verde iría reduciendo su intensidad hasta casi desaparecer.

El color verde-amarillo amortiguado en intensidad con rojo.

Por otra parte hemos de tener en cuenta que  existe un problema importante con los colores y sus pigmentos. He comentado más arriba que a partir de los tres colores primarios se podía obtener los 12 colores del espectro y con ellos, en sus infinitas mezclas, todas las tonalidades. El problema está en que el amarillo, magenta (un vivo rosa púrpura) y azul cyan (un azul verdoso) son los colores primarios utilizados en la imprenta y en otros sectores como el textil y en teoría con estos tres colores se pueden obtener todos los demás, pero en la paleta del pintor, debido a las limitaciones químicas de estos pigmentos, la mezcla de dos  primarios no nos daría la pureza de color nítida de un secundario; por ejemplo, para obtener el naranja se debería mezclar el rojo  y el amarillo, pero esta mezcla resultante no es tan viva como el pigmento puro naranja cadmio y es por ello que necesitamos comprar algunos colores «extra» por separado, además de los tres primarios, amarillo cadmio limón, rojo cadmio medio y azul ultramar, como del  naranja cadmio,  el verde permanente y el violeta permanente. Así pues la paleta no puede reducirse a tres colores  primarios (más blanco y negro) sino que deberemos comprar colores adicionales.

Por tanto el  azul ultramar sería el color primario en la paleta del pintor (que «sustituye» al azul cyan de imprenta ) y el carmín alizarin o rojo quinacridona sería otro color de la paleta del pintor que «sustituye» al magenta de imprenta. De todas formas yo también utilizo el color azul cyan, parecido al Azul Verde del cículo cromático anterior, y el magenta primarios (ambos se venden en tubos para pintores) y con los cuales puedes obtener ricas mezclas aunque nunca conseguirás un azul ultramar puro. También es recomendable, pero esto es muy personal, disponer del verde esmeralda que según mi experiencia no se puede obtener con la misma pureza que con la mezcla de los colores primarios y secundarios. Aquí os paso una rueda de color en la que indico los nombres de los pigmentos (que utiliza el pintor) y su equivalencia con la rueda anterior del círculo cromático.

No os asustéis, si sois principiantes,  cuando vayáis a la tienda de bellas artes y os enseñen una gama de colores de 80 tonos o incluso más: la mayoría  de colores se pueden obtener con la mezcla de los 10 o 12 colores antes mencionados, además del blanco y el negro, solo es cuestión de comprar los colores imprescindibles y algunos otros que sirven de comodín; lo demás es tirar el dinero, líar más al estudiante y privarle así del conocimiento y del placer de crear estos mismos tonos a partir  de sus mezclas. Un ejemplo muy típico es que muchos aficionados caen en la trampa de comprar el color «carne» para pintar el cuerpo humano. No existe, con toda seguridad, ningún color carne específico que sirva para todos; la tonalidad de la piel humana dependerá de muchos factores: del tipo de piel según la persona o la raza; de  la iluminación del modelo que tenga del cual se derivarán diferentes matices y tonos claros, medios u oscuros; de los reflejos o tonalidades ocasionados por la luz que reciba de los objetos circundantes, etc. , en definitiva una gama infinita. Además de todo esto, si un artista pinta de manera arbitraria según sus propias percepciones y estilo (el caso de los fauvistas, expresionistas, etc.,), el «color carne» será el que más le convenga a la obra. Matisse, gran maestro del color, lo condensa en una frase: « Cuando pongo verde, no es yerba; cuando pongo azul, no es el cielo. ».  No os preocupéis mucho por el color «carne convencional», con blanco, amarillo limón o medio, un poco de rojo o magenta, y una pizca de azul o verde en sus proporciones adecuadas lograréis hacer todos los tipos de piel en sus más diversas gamas. Lo mismo ocurre con el color «celeste», el color «tierra», el color «mar»,… sacaros esto de la cabeza, no existe en la naturaleza un color predeterminado, esa es su grandiosidad.

Un ejemplo de como crear el color «carne». Obviamente la cantidad de color en forma de círculos más o menos grandes son aproximadas. Fijaos que el color utilizado para oscurecer o matizar un color (en este caso el azul) suele ser su complementario. También el verde nos podría servir para este caso. Las cantidades variarán según el grado de tonalidad e intensidad que se desee.

COLORES BÁSICOS DE LA PALETA

Me voy a limitar aquí  a daros algunos consejos personales en cuanto a la gama de colores que yo utilizo y alguna de las marcas que mejor resultado me han dado. Tened en cuenta que esta es la paleta de colores que yo  habitualmente utilizo (que me sirve para mi pintura más colorista) pero que en definitiva también serviría como paleta básica con la cual se podrían obtener prácticamente todas las tonalidades que se quieran y de esta manera realizar, si así se desea, una pintura  más clásica o académica, de colores más neutros o quebrados, lo cual se conseguiría cambiando las proporciones de las mezclas.  He aquí pues la lista de la paleta que recomiendo:

• Blanco titanio : es un (no) color imprescindible para aclarar los tonos pero debe utilizarse con mucha moderación si no queréis que la mezcla resultante resulte poco luminosa y excesivamente «harinosa».
• Amarillo cadmio* limón: es ideal como color para aclarar las mezclas dándoles luminosidad sin darles este tono «harinoso» y falto de viveza. Sin embargo, por poner un ejemplo, no podrá ser mezclado para aclarar el azul ya que lo convertiría en verde. Como todos los colores no puede mezclarse con su complementario (el color opuesto en la rueda de color) ya que  ambos se anulan mutuamente convirtiéndose  su mezcla en un tono marronoso y «sucio»; aun así, como he comentado más arriba en palabras de VanGogh, si la proporción es diferente su mezcla puede crear bellas tonalidades más amortiguadas. Por supuesto este color, como todos los colores, puede utilizarse en su estado puro (tal como sale del tubo), dependiendo ello del estilo del artista, para crear contrastes con otros colores y conseguir así vivas armonías en la superficie del cuadro.
•  Amarillo cadmio*medio: este color puedes no comprarlo, no es imprescindible, ya que se puede conseguir con la mezcla del amarillo cadmio limón y una pizca de cadmio naranja. Yo, particularmente lo uso ya que su pigmento puro me parece aun más luminoso que la mezcla que os acabo de mencionar y es un color que utilizo puro y especialmente para crear verdes luminosos y cálidos.
• Amarillo cadmio* naranja: este es un color secundario  que  la mezcla de los dos primarios (rojo y amarillo) no puede conseguir con la misma viveza. Lo recomiendo si se pretende hacer una pintura de rico cromatismo (fauvismo).
• Rojo cadmio* medio: color primario en nuestra rueda de color y por tanto imprescindible.
• Magenta (Rojo Quinacridona): Este color podría sustiturse por el Carmín Quinacridona o Carmín Alizarín, algo más oscuro, pero yo  personalmente  utilizo este magenta con muy buenos resultados. Se consiguen en su mezcla con el blanco y azul cyan respectivamente unos rosas y violetas muy bellos. Aunque su nombre «Magenta» podría calificarse como primario en términos de imprenta digital, en nuestra rueda de color, debido a las limitaciones de los pigmentos que he comentado más arriba, no se correspondería con el primario.
• Azul Cyan: Algunos manuales no lo incorporan  pero según mi criterio es imprecindible. Con él se consiguen violetas muy bellos en combinación con el magenta y sobre todo azules turquesa y una gama de verdes azulados excelentes que de otra manera serían imposibles si no compramos un tubo específico de este color. Al igual que el magenta, el azul cyan  no es primario en nuestra rueda de colores debido a las limitaciones de sus pigmentos.
• Azul ultramar: color primario e imprescindible en nuestra rueda de color. No habría forma de obtener este color con la mezcla de otros colores. Su intensidad y profundidad lo hacen ideal para  diversas gamas de azules, para oscurecer algunos colores y para las sombras oscuras e intensas. Mezclado con el magenta nos da un violeta muy bello.
• Violeta permanente: color secundario, en teoría resultante de mezclar dos primarios (rojo con el azul), pero en la práctica ambos colores dan mezclas algo turbias (el color rojo mezclado con al azul de nuestra paleta nunca nos dará violeta), sí en cambio con el magenta o carmín alizarín de nuestra paleta.  Yo me arreglo muy bien haciendo violetas con el magenta, el azul cyan y el azul ultramar. Puedes si quieres comprar el violeta permanente pero resulta bastante caro y en mi opinión es precindible.
• Verde permanente: en nuestra rueda de color correspondería al amarillo-verde. Se puede conseguir bastante aproximado con la mezcla del azul cyan y el amarillo cadmio pero tiene mayor viveza si lo compras por separado.
• Verde esmeralda: a mi juicio un color imprescindible  que no se consigue hacer con las mezclas de los colores de nuestra paleta. Por eso recomiendo comprarlo. Se consiguen una gama de verdes muy bellos mezclado con una pizca de blanco, de amarillo limón o de azul cyan. También para oscurecer algunos colores en sustitución del negro.
• Negro: un (no) color del que algunos impresionistas precindieron sustituyéndolo por el azul de prusia mezlado con otros colores, ya que decían que ensuciaba las sombras y los tonos oscuros. Ciertamente es un color que se debe usar con moderación para oscurecer otros colores ya que los enturbia. Sin embargo, según el estilo  se puede usar como color oscuro y crear contrastes muy expresivos (los fauvistas, los expresionistas y los pintores abstractos lo usan con frecuencia). Yo lo uso también frecuentemente  mezclados con el azul ultramar o el verde emeralda si quiero un negro intenso y «frío» o con una pizca de  magenta o rojo si deseo lograr un negro «cálido». Mezclado con el amarillo nos da un verde oliva muy bello.

Nota: Los nombres de los colores especificados en esta imagen se refieren a la marca VALLEJO ARTIST. Cada marca puede utilizar nombres algo parecidos pero con alguna diferencia.

*Importante: en el mercado existen una variedad de gamas de acrílicos muy diversa (o de cualquier otro material como el óleo) y obviamente los precios varían mucho. Existen algunas marcas en que incluyen el nombre de “tono”  por ejemplo «Naranja Cadmio (tono) o «Amarillo limón» a secas. Estos colores  no están elaborados con los pigmentos puros sino con otras variedades y por supuesto el color es mucho más apagado y poco tienen que ver con la viveza y con las mezclas que producen los colores puros. Así pues, si os podéis gastar algo más de dinero utilizar los colores CADMIO puros (sin la palabra «tono»).

VENTAJAS Y DESVENTAJAS DE LOS COLORES ACRÍLICOS

Los colores acrílicos tienen muchas ventajas sobre los colores al óleo pero también sus desventajas:

Ventajas:

• Son relativamente más baratos que los óleos (pero todo dependerá de la calidad del pigmento y de la gama elegida, así como del color en cuestión)
• No son tóxicas por inhalación ya que se mezclan (y se limpian) con agua.
• Los más importante de los colores acrílicos: su secado es muy rápido (20 minutos como mucho según el espesor)  y permite poder pintar con mucha más rapidez las segundas y terceras capas, con lo cual  la obra terminada puede tener una mayor espontaneidad en la ejecución, bajo mi punto de vista, ya que el «instante» o la inspiración concluyen en un periodo más breve.

Desventajas :

• Diría que los colores acrílicos nunca llegan a la pureza de los óleos (siempre hablo de buenas calidades)
• No tiene la pastosidad cubriente de los óleos (aunque existen marcas más pastosas y aglutinantes que se pueden añadir para hacerlos más densos)
• Quizás lo más negativo es que los colores acrílicos oscurecen ligeramente al secarse, con lo cual la obra acabada puede dar lugar a resultados no esperados. Sin embargo este oscurecimiento ocurre más con los colores oscuros ( el verde esmeralda, el azul ultramar, el magenta y el cyan) que con los colores claros (naranja, amarillo, rojo cadmio claro) que apenas se aprecia.

La marca que yo utilizo habitualmente de colores acrílicos es Vallejo Artist, más cara, pero cuyos pigmentos son más puros que la otra gama para estudiante Vallejo Studio, aunque para los principiantes que empiezan  a practicar  resultan más que suficientes. Puede comprarse en tubos de aluminio de 60 y 200 ml. y tarros de 500 ml.  En cuanto al problema principal de los colores acrílicos, que es su ocurecimiento cuando la pintura ha secado, los más recomendables los colores Golden que parece ser han resuelto este problema aunque sus precios son mucho más caros, dependiendo siempre de la serie.

Las pinturas Vallejo son una buen opción profesional a un precio razonable. La pega: los colores oscuros, el magenta, el azul cyan, el azul ultramar y el verde esmeralda oscurecen al secarse. Habrá que tenerlo en cuenta a la hora de pintar y no oscurecer excesivamente estos colores con negro añadido.

Las pinturas acrílicas GOLDEN son otra opción profesional que tiene la ventaja que sus colores no oscurecen. Su precio, por contra, es superior.

LA PRÁCTICA DEL COLOR

Como cualquier oficio la práctica hace al maestro y por muchos manuales  que uno haya estudiado o teorías que haya leído no hay nada mejor para aprender que coger los pinceles y las pinturas y probar, mezclar…errar y volver a probar. Sin duda un buen maestro puede ayudarnos mucho a ir más rápido en nuestro aprendizaje, pero después siempre será necesaria la práctica diaria. El aprendizaje de los colores no es algo que escape a esta práctica pero requiere además una dosis de intuición, de la que muchas veces ni el propio artista es consciente. August Macke, uno de los jovenes pintores del expresionismo alemán, que fue pintor figurativo, realizo algunos experimentos abstractos en los que el color fue el único protagonista. Nos lo cuenta así: “ Toda mi felicidad la busco ahora sólo en los colores puros (…) He intentado componer colores sobre una tabla, sin pensar en objetos como hombres o árboles, parecido a como se hace el bordado. Lo que hace de la música algo tan enigmáticamente bello, tiene también un efecto mágico sobre la pintura. Pero sólo una fuerza sobrehumana es capaz de colocar los colores en un pentagrama como ocurre con las notas. (…) Una sensibilidad infinitamente sutil, puede ordenarlos, sin tener idea de ellos.”

A trabajar esta sensibilidad….

Colored forms (II). August Macke

Aquí os muestro una de mis obras: Mujer con sombrero azul, 2015, Acrílico sobre madera, 70×70 cm